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Biographie de Ellsworth Kelly, artiste minimaliste

Biographie de Ellsworth Kelly, artiste minimaliste


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Ellsworth Kelly (du 31 mai 1923 au 27 décembre 2015) était un artiste américain qui a joué un rôle clé dans le développement de l'art minimaliste aux États-Unis. Il a également été associé à la peinture au trait rigide et à la peinture Colour Field. Kelly est surtout connue pour ses toiles monochromes "en forme" qui vont au-delà des formes carrées ou rectangulaires typiques. Il a également réalisé des sculptures et des estampes tout au long de sa carrière.

Faits saillants: Ellsworth Kelly

  • Occupation: Artiste
  • Née: 31 mai 1923 à Newburgh, New York
  • Décédés: 27 décembre 2015 à Spencertown, New York
  • Éducation: Institut Pratt, École du Musée des Beaux-Arts
  • Œuvres choisies: "Red Blue Green" (1963), "White Curve" (2009), "Austin" (2015)
  • Citation remarquable: "Le négatif est tout aussi important que le positif."

Jeunesse et éducation

Né à Newburgh, New York, Ellsworth Kelly est le deuxième des trois fils du dirigeant d’une compagnie d’assurances Allan Howe Kelly et de l’ex-institutrice Florence Githens Kelly. Il a grandi dans la petite ville d'Oradell, dans le New Jersey. La grand-mère paternelle de Kelly l'a initié à l'observation des oiseaux lorsqu'il avait huit ou neuf ans. Le travail du légendaire ornithologue John James Audubon influencera Kelly tout au long de sa carrière.

Ellsworth Kelly a fréquenté les écoles publiques, où il a excellé dans ses cours d'art. Ses parents étaient réticents à encourager les inclinations artistiques de Kelly, mais un enseignant soutenait son intérêt. Kelly s’inscrit aux programmes artistiques du Pratt Institute en 1941. Il y étudie jusqu’à son admission dans l’armée américaine le 1 er janvier 1943.

Service militaire et début de carrière artistique

Pendant la Seconde Guerre mondiale, Ellsworth Kelly a collaboré avec d’autres artistes et concepteurs au sein d’une unité appelée The Ghost Army. Ils ont créé des chars gonflables, des camions de sonorisation et de fausses transmissions radio pour tromper l'ennemi sur le champ de bataille. Kelly a servi avec l'unité dans le théâtre européen de la guerre.

L'exposition au camouflage pendant la guerre a influencé l'esthétique en développement de Kelly. Il s'intéressait à l'utilisation de la forme et de l'ombre et à la capacité du camouflage de cacher des objets à la vue de tous.

Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, Kelly utilisa des fonds du G.I. Projet de loi pour étudier à l'école du musée des beaux-arts à Boston, Massachusetts. Plus tard, il a fréquenté l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris, en France. Il y fait la connaissance d’autres Américains, comme le compositeur avant-gardiste John Cage et le chorégraphe Merce Cunningham. Il a également associé l'artiste surréaliste français Jean Arp et le sculpteur roumain Constantin Brancusi. L'utilisation par ce dernier de formes simplifiées a eu un effet profond sur le style de développement de Kelly.

Ellsworth Kelly a déclaré qu’un développement clé de son style de peinture à Paris consistait à comprendre n'a pas vouloir dans un tableau: "Je n'arrêtais pas de jeter des choses, comme des marques, des lignes et le bord peint." Sa découverte personnelle des œuvres aux couleurs vives de Claude Monet en 1952 incita Kelly à explorer encore plus de liberté dans sa propre peinture.

Kelly a noué des liens étroits avec d’autres artistes parisiens, mais son travail ne s’est pas vendu au moment où il est parti pour revenir aux États-Unis en 1954 et s’établir à Manhattan. Au début, les toiles minimalistes de Kelly aux couleurs vives et aux formes géométriques semblaient quelque peu mystifier. Selon Kelly, les Français lui ont dit qu'il était trop américain et les Américains, il était trop français.

La première exposition personnelle de Kelly eut lieu à la Betty Parsons Gallery, à New York, en 1956. En 1959, le Museum of Modern Art incluait Kelly dans l'exposition historique 16 Americans, aux côtés de Jasper Johns, Frank Stella et Robert Rauschenberg, entre autres. Sa réputation grandit rapidement.

Style de peinture et minimalisme

Contrairement à beaucoup de ses contemporains, Ellsworth Kelly ne manifesta aucun intérêt à exprimer ses émotions, à créer des concepts ou à raconter une histoire avec son art. Au lieu de cela, il était intéressé par ce qui se passait dans l'acte de regarder. Il était curieux de l’espace entre le tableau et celui qui le regardait. Il finit par abandonner les contraintes des toiles carrées ou rectangulaires typiques des années 1960. Au lieu de cela, il a utilisé une variété de formes. Kelly les appelait des toiles en forme. Comme il n'utilisait que des couleurs vives isolées et des formes simples, son travail était considéré comme faisant partie du minimalisme.

En 1970, Ellsworth Kelly a quitté Manhattan. Il voulait échapper à une vie sociale occupée qui prenait son temps à produire de l'art. Il a construit un complexe de 20 000 pieds carrés trois heures au nord à Spencertown, à New York. L'architecte Richard Gluckman a conçu le bâtiment. Il comprenait un studio, un bureau, une bibliothèque et des archives. Kelly y a vécu et travaillé jusqu'à sa mort en 2015. Au cours des années 1970, Kelly a commencé à incorporer davantage de courbes dans son travail et dans les formes de ses toiles.

Au début des années 1970, Ellsworth Kelly occupa une place suffisamment importante dans l’art américain pour faire l’objet de grandes rétrospectives. Le Museum of Modern Art a organisé sa première rétrospective Kelly en 1973. Ellsworth Kelly peintures et sculptures récentes suivi en 1979. Ellsworth Kelly: une rétrospective voyagé aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Allemagne en 1996.

Kelly a également travaillé sur des sculptures en acier, en aluminium et en bronze. Ses pièces sculpturales sont aussi minimes que ses peintures. Ils sont principalement concernés par la simplicité de la forme. Les sculptures sont conçues pour être vues rapidement, parfois d'un seul coup d'œil.

Le dernier projet artistique d'Ellsworth Kelly consistait en un bâtiment de 2 700 pieds carrés, influencé par des églises romanes qu'il ne vit jamais dans sa forme achevée. Nommé «Austin», il fait partie de la collection permanente du musée Blanton à Austin, au Texas. Il a été ouvert au public en février 2018. Les façades du bâtiment comprennent des fenêtres en verre soufflé aux couleurs simples qui reflètent le travail de la vie de Kelly.

Vie privée

Ellsworth Kelly était connu comme un homme timide dans sa vie personnelle. Il a eu un bégaiement dans son enfance et est devenu un "solitaire". Au cours des 28 dernières années de sa vie, Kelly a vécu avec son partenaire, le photographe Jack Shear. Shear est devenu directeur de la Ellsworth Kelly Foundation.

Héritage et influence

En 1957, Ellsworth Kelly reçut sa première commande publique en vue de créer une sculpture de 18 mètres de long intitulée "Sculpture pour un grand mur" pour le bâtiment des transports du Penn Center à Philadelphie. C'était son plus grand travail à ce jour. Cette pièce a finalement été démantelée, mais un large éventail de sculptures publiques existe toujours dans le cadre de l'héritage de Kelly.

Certaines de ses œuvres publiques les plus connues incluent:

  • "Curve XXII (I Will)" (1981), Lincoln Park à Chicago
  • "Blue Black" (2001), Fondation Pulitzer Arts à Saint-Louis
  • "White Curve" (2009), Institut d'art de Chicago

Le travail de Kelly est considéré comme un précurseur d'artistes tels que Dan Flavin et Richard Serra. Leurs œuvres sont également axées sur l'expérience de la visualisation d'art au lieu d'essayer de transmettre un concept spécifique.

La source

  • Paik, Tricia. Ellsworth Kelly. Phaidon Press, 2015.


Voir la vidéo: Ellsworth Kelly at Hirshhorn Museum (Décembre 2022).

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